1. Art CenterMusic Hvad er musikteori?

Af Michael Pilhofer

En af de vigtigste ting at huske ved musikteori er, at musik kom først. Musik eksisterede i tusinder af år, før teorien fulgte for at forklare, hvad folk forsøgte at udrette, da de bankede på deres trommer.

Så tro aldrig nogensinde, at du ikke kan være en god musiker, bare fordi du aldrig har taget en teoriklasse. Faktisk, hvis du er en god musiker, kender du sandsynligvis allerede en masse teori. Du kender simpelthen ikke terminologien eller tekniske forhold.

musikteori på tastaturet

De begreber og regler, der udgør musikteori, ligner meget de grammatiske regler, der styrer skriftsproget (som også fulgte efter, at folk med succes havde opdaget, hvordan man skulle tale med hinanden). Ligesom at være i stand til at transkribere sprog gjorde det muligt for folk langt væk at ”høre” samtaler og historier, som forfatteren havde til hensigt, at kunne transkribere musik giver musikere mulighed for at læse og spille kompositioner nøjagtigt som komponisten havde til hensigt.

At lære at læse musik er meget som at lære et nyt sprog, til det punkt, hvor en flydende person kan "høre" en musikalsk "samtale", når han læser et stykke noder.

Masser af mennesker i verden kan ikke læse eller skrive, men de kan stadig kommunikere deres tanker og følelser verbalt bare fint. På samme måde har masser af intuitive, selvlærte musikere aldrig lært at læse eller skrive musik og finder hele ideen om at lære musikteori kedelig og unødvendig. Men ligesom de uddannelsesmæssige spring, der kan komme med at lære at læse og skrive, kan musikteori hjælpe musikere med at mestre nye teknikker, udføre ukendte musikstilarter og udvikle den tillid, de har brug for til at prøve nye ting.

Unearthing musikteoriens begyndelse

Fra hvad historikere kan fortælle, da den antikke verden begyndte at etablere sig - ca. 7000 f.Kr. - musikinstrumenter havde allerede opnået en kompleksitet i design, der ville blive ført helt ind i nutiden. For eksempel er nogle af de knogelfløjter, der er fundet fra denne tidsperiode, stadig spillebare, og der er indspillet korte forestillinger på dem for moderne lyttere at høre.

På lignende måde har piktogrammer og begravelsesornamenter vist, at egypterne ved 3500 f.Kr. brugte harper såvel som dobbeltrørs klarinetter, lyr og deres egen version af fløjten. I 1500 f.Kr. havde hetitterne i det nordlige Syrien ændret det traditionelle egyptiske lut- / harpe-design og opfandt den første to-strengede guitar, med en lang, fretteret hals, indstillingspinde øverst på nakken og et hult lydplade til at forstærke lyd af strengene, der plukkes.

Der er stadig mange ubesvarede spørgsmål om ældgamle musik, som hvorfor så mange forskellige kulturer kom med så mange af de samme tonale kvaliteter i deres musik, helt uafhængige af hinanden. Mange teoretikere har konkluderet, at visse mønstre af noter bare lyder rigtigt for lyttere, og visse andre mønstre ikke. Musikteori kunne derefter meget enkelt defineres som en søgning efter, hvordan og hvorfor musik lyder rigtigt eller forkert. Med andre ord er formålet med musikteori at forklare, hvorfor noget lød, som det gjorde, og hvordan denne lyd kan laves igen.

Mange mennesker betragter det antikke Grækenland som det faktiske fødested for musikteori, fordi de gamle grækere startede hele skoler for filosofi og videnskab, der byggede omkring dissekering af alle aspekter af musik, der var kendt dengang. Selv Pythagoras (trekant fyren) kom ind i handlingen ved at skabe en 12-pitch oktav skala svarende til den, musikere og komponister stadig bruger i dag. Det gjorde han via den første Circle of Fifths, et apparat, der stadig er religiøst brugt af musikere fra alle samfundslag.

En anden berømt græsk videnskabsmand og filosof, Aristoteles, er ansvarlig for mange bøger om musikteori. Han begyndte en rudimentær form for musiknotation, der forblev i brug i Grækenland og efterfølgende kulturer i næsten tusind år efter hans død.

Faktisk blev der lagt så meget grundlæggende musikteori i det gamle Grækenland, at væsentlige ændringer ikke syntes nødvendige før den europæiske renæssance næsten 2.000 år senere. Naboer og erobrere af Grækenland var alle mere end glade for at integrere græsk matematik, videnskab, filosofi, kunst, litteratur og musik i deres egne kulturer.

Grundlæggende musikteori

Selvom det ville være rart at være en af ​​disse mennesker, der kan sidde på ethvert instrument og spille smuk musik uden nogen som helst træning, har de fleste mennesker brug for en slags struktureret undervisning, hvad enten det er fra en lærer eller fra at læse en bog. Her gennemgår vi de grundlæggende oplysninger, du har brug for, for at begynde at lære at læse musik, spille skalaer, forstå nøgnsignaturer, bygge akkorder og komponere med formularer.

Fundamentet: Noter, hviler og slår

At lære at læse musik er afgørende for en musiker, især en der ønsker at dele sin musik med andre musikere eller opdage, hvad andre musikere spiller. Ved at studere de grundlæggende elementer, såsom tidsværdier for hver type skriftlig note, musikalske hviler, tidsunderskrifter og rytme, sætter du dig selv på vejen til at mestre musik. Alle disse elementer mødes for at etablere et fundament, der giver dig mulighed for at læse, spille og studere musik.

Manipulering og kombination af noter

Læsning af musiknoter både på diskant- og basspidsstavene samt at finde noter på klaver og guitar - de to mest almindelige instrumenter, som folk lærer sig at spille - er afgørende for at fremstille og studere musik.

Når du kan læse noter på stavene, kan du bestemme et musikalsk nøglesignatur, som er en gruppe symboler, der fortæller dig, hvilken nøgle den sang er skrevet i. Du kan bruge Femte cirkel til at hjælpe dig med at læse nøglesignaturer ved synet ved at tælle skarpe eller lejligheder i en tidssignatur.

Når du er blevet fortrolig med nøglesignaturer, er du klar til at gå videre til intervaller, akkorder og akkordprocessioner, der skaber kompleksiteten af ​​musikalsk lyd - fra behagelig og beroligende til anspændt og har behov for opløsning. Du bygger vægte og akkorder ved hjælp af enkle eller sammensatte intervaller: melodisk og harmonisk.

Knyt tastaturet til musiknotation

Før renæssanceperioden skete der kun få virkeligt innovative ændringer inden for musikteknologi. Strenginstrumenter, træblæsere, horn og slaginstrumenter havde eksisteret i tusinder af år, og selv om de havde oplevet mange forbedringer i design og spilleteknik, var de i det væsentlige de samme instrumenter, der blev brugt af befolkningen i gamle kulturer. Først på 1300-tallet dukkede en ny musikalsk grænseflade op: tastaturet.

Med opfindelsen af ​​tastaturet kom starten på moderne musikalsk notation - skrevet musik. Tastaturnotationsforbindelsen blev fremmet på grund af let at komponere til fulde orkestre på tastaturet. Desuden blev de fleste nyopdragne værker oprettet til tastaturinstrumenter på grund af offentlighedens opfattelse af tastaturet som et overlegent instrument.

Fra det 15. århundrede franske komponister begyndte at tilføje så mange linjer, som de havde brug for til deres musikalske stav. De skrev også musik med flere stave, der skal spilles samtidigt med forskellige instrumenter. Fordi tastaturet har så mange toner til rådighed, begyndte der at blive anvendt separate stave til venstre- og højrehåndet. Disse stave er baskniven og diskantklaven.

Tastaturer havde også fordelen ved at være utroligt nemme at bygge akkorder på. I det 17. århundrede blev det femforede personale betragtet som standard for de fleste musikinstrumenter - sandsynligvis fordi det var lettere og billigere at udskrive kun en slags noder for musikere at komponere på. Systemet har ikke ændret sig meget i de sidste fire århundreder, og det ændres sandsynligvis ikke igen, før en ny, mere tiltalende instrumentgrænseflade kommer ind i scenen.

Musikalsk form og kompositioner

Mest populær og klassisk musik er komponeret ved hjælp af specifikke former. En form er en strukturel plan, der bruges til at skabe en bestemt type musik. Byggestenene i form inkluderer musikalske sætninger og perioder, og rytme, melodi og harmoni kommer ind i billedet for at skabe genren eller stilen for et stykke musik.

Når du sidder ned for at skrive musik, skal du vælge, hvilken form du vil følge; for eksempel klassisk eller populær. Du kan vælge mellem mange forskellige klassiske og populære former, herunder sonater, koncerter, 16-bar blues og vers-korform. Du kan oprette varieret lyd i uanset hvilken form du vælger ved at spille med tempo, dynamik og instrumenttonefarve.

Hvordan teori kan hjælpe din musik

Hvis du ikke vidste bedre, kan du tænke, at musik var noget, der kunne starte på en hvilken som helst note, gå hen, hvor den måtte ønske, og stoppe, når kunstneren havde lyst til at stå op for et glas is. Selvom det er sandt, at mange mennesker har været i musikalske forestillinger, der faktisk følger denne stil med "komposition", er disse forestillinger for det meste forvirrende og irriterende selvindgivende og føles lidt meningsløse.

De eneste mennesker, der kan trække en spontan marmelade godt ud, er dem, der kender musik grundigt nok til at stakke akkorder og noter ved siden af ​​hinanden, så de giver mening for lyttere. Og fordi musik i sagens natur er en form for kommunikation, er forbindelsen med dine lyttere målet.

At lære mere om musikteori er også utroligt inspirerende. Intet kan beskrive den følelse, du får, når pæren slukker i dit hoved, og du pludselig er klar over, at du kan sætte en 12-bar bluesprogression sammen og opbygge en rigtig god sang ud af den. Eller når du kan se på et stykke klassisk musik og finde dig selv ser frem til at spille igennem det for første gang. Eller første gang du sætter dig ned for at marmelere med dine venner og finder ud af, at du har tillid til at gå foran.

Som musiker er den uundgåelige kendsgerning dette: Det, du får ud af musikken, er det, du lægger i det. Hvis du vil være i stand til at spille klassisk musik, skal du vide, hvordan du kan læse synet og vide, hvordan du holder et stabilt beat. Hvis du planlægger at blive rockgitarist, er det især vigtigt at vide, hvilke toner du har brug for at spille i en given nøgle. At vide, hvordan man spiller musik, kræver en masse personlig disciplin, men i sidste ende er det værd at alt det hårde arbejde. Plus, selvfølgelig er det sjovt at spille musik, og det er utroligt sjovt at vide, hvordan man spiller musik godt. Alle elsker en rockstjerne / jazzmand / Mozart.

  1. Art CenterMusicMusic Theory: Populære genrer og former

Af Michael Pilhofer

Det er vanskeligt at diskutere form, når man taler om populær musik, fordi udtrykket ofte misbruges. Tænk på form som den specifikke måde, et stykke musik er konstrueret med regler for den type musiks konstruktion. Genre henviser på den anden side til en sangs stil, såsom den anvendte instrumentering, den samlede tone i musikken og så videre.

Nogle populære moderne musikgenrer har imidlertid eksisteret længe nok til, at specifikke mønstre kan ses i deres samlede konstruktion. Disse genrer er

  • Blues Folk / rock / pop Pop jazz

Feeling the Blues

Blues er den første virkelig amerikanske folkemusik (bortset fra den unikke musik, som indianerne havde før den europæiske invasion). Strukturen af ​​blues er den fælles stamfar til stort set alle andre konstruktioner af amerikansk populærmusik og har været indflydelsesrig over hele verden. Omkring århundredeskiftet var feltholler, kirkemusik og afrikansk slagverk smeltet sammen i det, der nu kaldes blues. I 1910 var ordet blues til at beskrive denne musik udbredt.

Bluesmusik bruger sang eller ternær form i tre dele, der følger et AABA-mønster af I, IV og V akkorder i en given skala. B-sektionen er broen, et kontrastparti, der forbereder lytteren eller udøveren til tilbagevenden af ​​det originale A-afsnit. (Masser af mennesker klager over, at rockemusik kun bruger tre akkorder: I-, IV- og V-akkorderne. Nå, det hele startede med blues!)

Blues spilles næsten altid i 4/4 gang, med rytmen slået ud enten i almindelige kvartnoter eller i ottende toner og med stærke accenter givet på både den første og den tredje beats for hver foranstaltning.

De mest almindelige typer blues-sange er 12-bar blues, 8-bar blues, 16-bar blues, 24-bar blues og 32-bar blues. "Linjen" refererer til, hvor mange mål der bruges i hver enkelt bluesstil. Hvis du er i en bluesy stemning, kan du tjekke de følgende sektioner for at få flere oplysninger om disse almindelige blues-sangtyper.

12-bar blues

Navnet er temmelig selvforklarende: I 12-bar blues har du 12 søjler eller målinger af musik at arbejde med. I hvert vers af 12-bar blues (du kan have så mange vers, som du vil, men normalt har en 12-bar blues-sammensætning tre eller fire), fungerer det tredje 4-bar segment for at løse de foregående 4 søjler. Opløsningen eller konklusionen til I-akkorden i slutningen af ​​verset kan signalere slutningen på sangen. Eller, hvis den 12. bar er en V-akkord, signalerer opløsningen til I-akkorden, at du går tilbage til begyndelsen af ​​sangen for at gentage progressionen til et andet vers. Hvis sangen fortsætter til et nyt vers, kaldes V-akkorden i slutningen af ​​sangen omdrejningen.

Det mest almindeligt anvendte mønster - læses fra venstre mod højre, startende øverst og arbejder ned - for 12-bar blues ser sådan ud:

Så hvis du spillede en 12-bar blues sang i nøglen til C, ville du spille den sådan:

Hvis du kan ramme disse akkorder i den rækkefølge, har du de blotte knogler til Muddy Waters klassiker "Du kan ikke miste det, du ikke har haft." Skift tonic (I) akkorden til en A (AAAA DDAA EDAE / A ), og du har Robert Johnsons "Crossroads Blues."

Hvis du spiller 12-bar blues i en mindre nøgle, er her det almindelige mønster, du skal bruge:

Count Basie's berømte og meget elskede variation på 12-bar blues tog elementer af både større og mindre taster, som vist her:

8-bar blues

8-bar blues svarer til 12-bar blues - det har bare kortere vers i det og en lidt anden almindelig brug af akkordprocessioner. Her er det standardmønster, der bruges til 8-bar blues:

16-bar blues

En anden variation på de grundlæggende 12-bar blues er 16-bar blues. Hvor 8-bar blues er fire søjler kortere end 12-bar blues, er 16-bar blues, som du sandsynligvis kan gætte, så meget længere.

16-bar blues bruger den samme grundlæggende akkordmønsterstruktur som 12-bar blues, med de 9. og 10. mål angivet to gange, sådan:

24-bar blues

24-bar bluesprogression ligner en 12-bar traditionel bluesprogression bortset fra at hver akkordprogression er fordoblet i varighed, som sådan:

32-bar bluesballader og land

32-bar blues-mønsteret er, hvor du ser de rigtige rødder af rock- og jazzmusik. Denne udvidede version af 12-bar blues-mønsteret har AABA-strukturen, også kaldet sangform, der blev vedtaget af rockband i 1960'erne. Mønsteret omtales også SRDC-modellen: erklæring (A1), omformering (A2), afgang (B) og konklusion (A3).

Et typisk 32-bar blueslayout kan se sådan ud:

Da den blev oprettet første gang, var 32-bar-blues næsten ikke så populær blandt “ægte” blues-kunstnere, som 12-bar-strukturen var, delvis fordi den ikke fungerede så godt med den korte opkald-og-svar-form af lyrik der øremærkede blues. Det fungerede dog godt for countrymusikgenren, og Hank Williams (sr.) Brugte denne konstruktion i sange som "Your Cheating Heart" og "I'm So Lonesome (I Could Cry)." Freddy Fender brugte denne struktur i hans hits "Wasted Days and Wasted Nights" og "Before the Next Teardrop Falls."

Da denne særlige bluesstruktur blev afhentet af mennesker som Irving Berlin og George Gershwin; meget - måske alle - af blues ægte hjerte forsvandt fra den resulterende musik. 32-bar blues overgik til populære sange som "Frosty the Snowman" og "I Got Rhythm."

32-bar blues blev også markant ændret ved indgriben fra andre klassisk trænede komponister, der blandede ideerne om sonaten og rondo med den traditionelle amerikanske blues. Resultatet blev den eventuelle oprettelse af sange, der ikke var bluesy-lydende, der brugte sådanne aspekter af klassisk musik som evnen til at skifte taster under brosektionen af ​​en sang.

At have det sjovt med rock og pop

De fleste tidlige rock- og popsange følger strukturen i enten 12-bar blues eller 32-bar blues (se disse sektioner tidligere i dette kapitel). Chuck Berrys "Johnny B. Goode" er en variation af 12-bar blues-strukturen, der er brugt i rock, ligesom Rolling Stones's "19. nervøse sammenbrud." Beach Boys var mestere af 32-bar-strukturen og brugte det i sådanne sange som "Good Vibrations" og "Surfer Girl." Beatles brugte også denne struktur i mange af deres sange, herunder "From Me to You" og "Hey Jude." Jerry Lee Lewis's "Great Balls of Fire", The Rright Brothers's " You've Lost That Loving Feeling, ”og Led Zeppelin's“ Whole Lotta Love ”bruger også alle AABA 32- bar. I 32-bar popmusik er musikken opdelt i fire 8-bar sektioner. Sange som Fats Wallers "Ain't Misbehavin '" og Duke Ellingtons "It Don't Mean a Thing" følger AABA 32-barstrukturen, mens Charlie Parker tog rondo-tilgangen (ABAC) til 32-bar variationen i sange som "Ornitologi" og "Donna Lee."

Forbindelse AABA-form skal egentlig kaldes AABAB2-form (men det er det ikke), for i denne form, når du har spillet de første 32 søjler, flytter du ind i et andet broafsnit (B2), der sender dig tilbage til begyndelsen af sang for at gentage de originale 32 søjler i sangen. Beatles "Jeg vil holde din hånd", politiets "Hver åndedrag du tager", Boston's "Mere end en følelse", og Tom Petty og Heartbreakers "Flygtning" følger alle dette mønster. Vers-korstrukturen (også kaldet ABAB-form) er den mest udbredte form inden for rock og popmusik i dag. Vers-korform følger strukturen af ​​de tekster, der er knyttet til den. Du kan selvfølgelig skrive et instrumentelt stykke, der følger det samme mønster som en vers-kor-rock eller pop-sang, men selve strukturen får sit navn fra den måde, ordene i en sang passer sammen.

Vers-kor sange er lagt ud på denne måde:

  • Introduktion (I): Introduktionen indstiller stemningen og er som regel instrumentel, skønt den undertiden kan indeholde en talt recitation, ligesom i Prince's "Let’s Go Crazy." Vers (V): Verset begynder historien om sangen. Chorus (C): Koret er de mest mindeværdige lyriske punkter i sangen - sangens Vers (V): Et andet vers fortsætter historien. Chorus (C): Det andet kor forstærker krogen. Bro (B): Broen, der kan være instrumentel eller lyrisk, forekommer normalt kun én gang i sangen og danner en kontrast med gentagelsen af ​​vers og kor. Chorus (C): Det sidste kor gentager det originale kor for at falme, eller det stopper bare ved I-akkorden.

Den typiske struktur for rock og pop-sang, som vi beskriver det her, er IVCVCBC. Og ligesom i blues-strukturen med 12 streger, er de valgte akkorder I-, IV- og V-akkorderne.

Tusinder, måske endda millioner af populære sange følger denne struktur. Beatles 'Ob-La-Di, Ob-La-Da', Tom Jones '' Sexbombe '', Kenny Rogers 'The Gambler', Lady Gaga's 'Poker Face' og Eminems 'Lose Yourself' er alle eksempler på denne anvendte struktur i moderne popmusik. Den virkelig fantastiske ting er, hvor forskellig fra hinanden, enten i kraft af tekster eller selve musikken, den ene sang kan lyde fra den næste.

Improvisering med jazz

Den sande ånd af jazz har altid været improvisation, hvilket gør det vanskeligt at identificere den faktiske konstruktion af jazz. Målet med jazz er at skabe en ny fortolkning af et etableret stykke (kaldet en standard) eller at bygge videre på et etableret stykke musik ved at ændre melodien, harmonierne eller endda tidssignaturen. Det er næsten som pointen med jazz er at bryde væk fra form.

Den nærmeste måde at definere, hvordan jazz er konstrueret, er at tage den grundlæggende idé bag blues-vokaliseringer - call-and-response-vokal - og erstatte stemmerne med de forskellige instrumenter, der udgør jazz-lyden: messing, bas, percussive (inkl. Klaver) ) og blæseinstrumenter sammen med den nyere inkludering, den elektriske guitar. I Dixieland-jazz skifter musikere for eksempel skift til at spille hovedmelodien på deres instrumenter, mens de andre improviserer modmelodier eller kontrasterende sekundære melodier, der følger med i baggrunden.

Det ene forudsigelige element i musikken i jazzgenren - ekskl. Fri jazz, hvor der ikke findes reelle bemærkelsesværdige regler, men der anvendes jazzinstrumentering - er rytmen. Al jazzmusik, med undtagelse af fri jazz, bruger klar, regelmæssig meter og stærkt pulserede rytmer, der kan høres gennem musikken.

Tolvtonekompositioner

Tolvtonet musik - også kendt som seriekomposition - er en kompositionsteknologi opfundet af den østrigske komponist Arnold Schoenberg i 1921, stærkt påvirket af de atonale kompositioner af Bela Bartok og Igor Stravinsky. Tolvtonekompositioner er baseret på den kromatiske skala med tolv tone, hvor hver note er adskilt fra den næste af et halvtrin i modsætning til den diatoniske skala, der er skalaen med otte noter. Det sjove ved tolvtonekompositioner er, at så længe du følger mønstervariationerne, der er bygget på den primære række, kan du hoppe rundt til forskellige oktaver for at tilføje din komposition interesse. Målet med en tolv-toners komposition er at bruge hver tone i den kromatiske skala, inden du gentager nogen toner. Hver sekvens på tolv noter kaldes en "tonerække", og tolvtonekompositioner er dybest set variationer på den første præsenterede tonerække.

Lad os sige, at din tone række begynder på B naturlig og slutter på F naturlig, som vist.

Primær række (P-form)

Når du har lagt din første tonerække eller den primære række (eller P-form), kan din anden variation være en inversion af det originale mønster, hvor du starter med B naturlig igen, men hvor du i det første mønster tage et halvtrin ned på den anden note, du går et halvtrin op på den anden note i stedet. Dette kaldes inversionsformen, eller I-form, som det ses her. Grundlæggende, alt hvad du gjorde i det første mønster, tager du den modsatte tilgang i inversionen, som fører dig til en F naturlig en oktav over hvor du startede.

inversionsform

En anden måde at lægge noterne ud kaldes et retrograd mønster eller R-form. Det er her du starter på den sidste note i den første tonerække (F) og præsenterer hele linjen igen bagud og slutter på B, som vist.

retrograd mønster

Den sidste almindeligt anvendte form, retrograd inversion (RI-form) er, når du tager R-formen og foretager de nøjagtige modsatte trin, du har foretaget i det retrograde mønster. Så i det følgende, startende på en høj F, går du ned tre halve toner (slutter på en D), hvilket er nøjagtigt det modsatte, som du gjorde i R-formen, hvor du startede på en F og gik op tre halvdel -toner til en A-flade, som vist.

Retrograde inversionsform

Selvom der er mange andre kombinationer mulige, er dette de tre grundlæggende sammensætningsteknikker, der anvendes i tolvtonesammensætninger. Den mest kendte moderne tolvtones / seriekomponist er måske Philip Glass, hvis karakteristiske tolvtonekompositioner er blevet brugt i vid udstrækning i lydspor til film inklusive North Star (1977), Candyman (1992), The Truman Show (1999) og The Hours (2002).

  1. Art CenterMusicMusic Theory: Staff, Clefs and Notes

Af Michael Pilhofer

Noter og hvile i musik er skrevet om, hvad musikere kalder et musikalsk personale (eller stav, hvis du taler om to). Et personale består af fem parallelle vandrette linjer, der indeholder fire mellemrum mellem dem, som vist.

Primære stave

Bemærkninger og hviler er skrevet på personalets linjer og mellemrum. De særlige musiknoter, der menes med hver linje og rum, afhænger af, hvilken clef der er skrevet i begyndelsen af ​​personalet. Du kan løbe på tværs af en hvilken som helst af følgende kløfter (selvom de to første er de mest almindelige):

  • G-nøgle Bass clef C-clefs, inklusive alt og tenor

Tænk på hvert clef som en graf over tonehøjder eller toner, der vises som toner, der er afbildet over tid på fem linjer og fire mellemrum. Hver tonehøjde eller tone er navngivet efter en af ​​de syv første bogstaver i alfabetet: A, B, C, D, E, F, G, A, B, C ... og det fortsætter på den måde på ubestemt tid og gentager notenavnene som tonehøjderne gentages i oktaver. Standpladserne stiger, når du går fra A til G, med hver ottende note - hvor du vender tilbage til dit startbrev - hvilket betyder begyndelsen på en ny oktav.

De følgende sektioner giver dig flere detaljer om kløfterne hver for sig og sammen (kaldet en storslået personale). Vi ser også på clef'en, og hvornår du muligvis krydser stier med det.

Diskanten clef

Diskanten er beregnet til noter med højere tone. Det indeholder noterne over midten C på klaveret, hvilket betyder alle de toner, du spiller med din højre hånd på klaveret. På gitaren er diskantcleflet normalt det eneste clef, du nogensinde har læst. De fleste trævindinstrumenter, høj messinginstrumenter og fioliner klæber udelukkende til diskanten. Ethvert instrument, der fremstiller øverste eller høje lyde, har sin musik skrevet i diskanten.

Diskantkniven kaldes også undertiden G-kølen. Bemærk, at formen af ​​diskantcellen i sig selv ligner en stiliseret G. Løkken på diskantklaveren cirkler også den anden linje på staven, som er noten G, som vist.

G-clef

Noterne er placeret i diskanten på linjer og mellemrum i rækkefølge af stigende stigning, som vist.

diskant clef noter

Basclef

På klaveret indeholder basclef lavere toner, som er under midten C, inklusive alle de toner, du spiller med din venstre hånd på klaveret. Musik er generelt skrevet i bas clef for lavere blæseinstrumenter som fagott, de nederste messinginstrumenter som tuba, og de nederste strenginstrumenter som basgitaren.

Et andet navn på basclef er F clef. Den krøllede top af klyngen omkranser delvist, hvor F-noten er i personalet, og den har to prikker, der omgiver F-sedlen, som vist. (Det ligner også lidt som et kursivt bogstav F, hvis du bruger din fantasi.)

F clef

Bemærkningerne til basclef er arrangeret i stigende rækkefølge, som vist.

bas clef noter

Det storslåede personale og midterste C

Sæt diskanten og basløftene sammen, så får du det storslåede personale, som vist.

Stor stab

Mellem C er placeret en linje under diskant-clef og en linje over bas-clef. Men det er ikke i begge clef. I stedet er det skrevet på en hovedbok linje. Hovedbokslinjer er linjer, der er skrevet over basclef og under diskant-clef, som er nødvendige for at forbinde de to clefs. Sæt det hele sammen, og noterne flyder jævnt fra det ene spalte til det andet uden afbrydelser.

C nøgle: Alto og tenor

Lejlighedsvis kan du støde på et dyr kendt som Clef. C-clef er en bevægelig clef, som du kan placere på en hvilken som helst linje af personalet. Linjen, der løber gennem midten af ​​C-sleben, uanset hvilken linje der er, betragtes som midterste C, som du kan se.

midterste C

C-kløfter foretrækkes i klassisk notation for instrumentalområder, der svæver lige over eller lige under midten af ​​C. I stedet for konstant at skulle skifte mellem at læse diskant og bas-clefs, har en musiker bare et musikalsk personale at læse.

C clefs blev mere almindeligt anvendt, før noder blev standardiseret og kunne let rumme en bred vifte af toner. I dag er de eneste C-kløfter, der ofte bruges, følgende:

  • Altoskabet: Sætter midterste C på den tredje personalelinje; mest almindeligt brugt til at skrive viola musik. Tenorspidsen: Sætter midten C på den næste til den øverste linje af personalet; mest almindeligt brugt til at skrive cello-, trombon- og fagotmusik.
  1. Art CenterMusicMusic Theory: Counting with Simple Time Signatures

Af Michael Pilhofer

Enkle tidsunderskrifter er de nemmeste at tælle, fordi en en-to-puls i et stykke musik føles det mest naturlige for en lytter og en udøver. De følgende fire krav angiver, at en tidssignatur er enkel:

  • Hver takt er opdelt i to lige store komponenter. Hvis et enkelt takt har mere end en note, grupperes disse toner altid sammen til samme takt. Denne egenskab er mest åbenlyst, når den anvendes på ottende og mindre noter. På simpel tid er to ottende toner altid forbundet med en bjælke kaldet en bjælke, ligesom fire sekstende toner eller otte tredive sekundsnoter. (Hvis du har to sekstende toner og en ottende note, er de tre toner, der er lig med et tak, også strålede sammen.) Følgende figur viser udviklingen af, hvordan toner stråles sammen på enkel tid. Den note, der får en takt, skal være en ubemærket note. Når du tæller en sang ud i dit hoved, tæller du kun ubemærkede toner, der kan deles med to. Normalt betyder det, at du tæller kvartoner, men du tæller muligvis også halvtoner, hele noter eller, undertiden ottende toner.

På 4/4 tid, for eksempel, tæller du i dit hoved "En-to-tre-fire" igen og igen. Om 3/4 tid vil det være "en-to-tre" igen og igen; om 2/4 tid, "en-to."

  • Det øverste tal kan ikke deles med 3, undtagen når det er. F.eks. Betragtes 3/4 og 3/8 som enkle tidsunderskrifter, hvorimod 6/4, 6/8 og 9/16 ikke er (fordi de er delbare med 3; dette er sammensatte tidsunderskrifter). Antallet af beats er det samme i alle mål. Hvert mål eller bar af musik i en enkel tidssignatur har det samme antal beats i hele sangen. Når du kommer i rillen med at tælle tiden, behøver du ikke at bekymre dig om at gøre noget, men sørge for, at noterne i sangen følger, der slår hele vejen igennem.
Enkle tidsunderskrifter

De følgende afsnit forklarer, hvordan du bruger målinger til at tælle på simpel tid og give dig nogle tælleøvelser.

Brug af mål til at tælle på simpel tid

Foranstaltninger (eller søjler) hjælper kunstnerne med at holde øje med, hvor de befinder sig i et stykke musik, og hjælpe dem med at spille det passende beat. På enkel tid er foranstaltningen, hvor den sande rytme af et stykke musik kan mærkes, selvom du bare læser et stykke noder uden at spille det.

På simpel tid placeres en lidt stærkere accent på den første takt for hver måling.

Her er nogle almindelige eksempler på enkle tidssignaturer (nogle beskriver vi i de følgende afsnit):

  • 4/4: Brugt i populær, klassisk, rock, jazz, country, bluegrass, hip-hop og house-musik 3/4: Bruges til valser og land- og vestlige ballader 2/4: Brugt i polkas og marcher 3/8: Bruges i valser, minuetter og land- og vestballader 2/2: Brugt i marcher og langsomt bevægende processionals

Tæller 4/4 gang

Når du ser en linje med musik, der har en 4/4-tidssignatur som den i følgende figur, tælles beatet således:

Én to tre fire ÉN to tre fire ÉN to tre fire

4/4 gang

Det nederste nummer 4 i tidssignaturen i figuren fortæller dig, at kvartnoten får takten, og det øverste nummer 4 fortæller dig, at hvert mål indeholder fire slag eller fire kvartnoter.

Da 4/4 tid så ofte bruges i populære typer musik, kaldes den ofte for almindelig tid. I stedet for at skrive “4/4” til tidssignaturen skriver nogle komponister bare et stort “C” i stedet.

Tæller 3/4 gang

Hvis tidssignaturen for en musiklinje er 3/4, som i den følgende figur, tælles beatet således:

Én to tre EN to tre EN to tre

3/4 gang

Tæller 3/8 gang

Hvis tidssignaturen er 3/8, får den første note i foranstaltningen - hvad det måtte være - en let stress. I dette tal er den første note en ottende note.

3/8 gang

Du tæller beatet fra musikken, der er vist i figuren, sådan:

Én to tre EN to tre EN to tre

Tidsignaturerne 3/8 og 3/4 har næsten nøjagtigt den samme rytmestruktur i den måde, beatet tælles af. Fordi 3/8 bruger ottende toner i stedet for kvartnoter, får de ottende toner imidlertid takten.

Tæller 2/2 gang

Hvis tidssignaturen på en linje er 2/2, også kaldet klippetid, får halvtonen slaget. Og fordi det øverste antal bestemmer, at målingen indeholder to beats, ved du, at hvert mål har to halve toner, som vist.

2/2 gang

Du tæller musikken i figuren sådan:

Én to ÉN to

Tidsunderskrifter med et 2 som det lavere antal blev vidt brugt i middelalderlig og før middelalderlig musik. Musik fra denne periode brugte en rytmestruktur, kaldet en taktus - senere kaldet et minim - som var baseret på rytmemønsteret af et menneskeligt hjerteslag.

Øvelse på at tælle beats på enkel tid

Brug informationen fra de foregående afsnit til at tælle beats (ikke noterne) vist i den følgende række af figurer. Når du tæller disse beats højt, skal du huske at give den første takt en let stress. For en udfordring, prøv at trykke på noterne, mens du tæller taktene højt.

Øvelse 1

Én to tre fire | Én to tre fire | En to tre fire

Enkel tidsøvelse en

Øvelse 2

Én to tre | Én to tre | Et to tre

Enkel tidsøvelse to

Øvelse 3

Én to tre | Én to tre | Et to tre

Enkel tidsøvelse tre

Øvelse 4

Én to tre | Én to tre | Et to tre

Enkel tidsøvelse fire

Øvelse 5

Én to | Én to | En to

Enkel tidsøvelse fem
  1. Art CenterMusic10 Musikalske bevægelser, der ændrede historien

Af Michael Pilhofer

Problemer med at sammensætte en top ti-liste med revolutionerende musik eller musikalske bevægelser er, at så meget af det, som den moderne vestlige civilisation kender til revolutionær musik, er meget begrænset. Historien er fuld af mennesker som den spanske præst Diego de Landa, der dedikerede sit liv til at ødelægge maya-litteratur og -historie, eller kejser Jovian, der ødelagde alle ikke-kristne tekster og musikalske scoringer i Biblioteket i Antiochia eller Genghis Khan, der berømt fyrede og ødelagde bibliotekerne i Iran og Irak.

Følgende kan kun betragtes som en delvis liste over nogle af de revolutionerende teknikker, der ændrede musik generelt såvel som nogle af den revolutionerende musik, der ændrede verden.

800 A.D. England, gregoriansk sang

Gregoriansk sang kan muligvis ikke virke som en revolutionerende form for musik, idet dens historie og brug næsten uløseligt er knyttet til den romersk-katolske kirke - den er endda opkaldt efter pave Gregor I, der får kredit for at popularisere formen. Da musik imidlertid var en så vigtig del af kirkegudstjenesterne, og så meget af den vestlige civilisation var påvirket af, hvad der var og ikke var tilladt af den tidlige kirke, giver det mening at fremkomsten af ​​det er et udgangspunkt for mange musiknyheder og revolutioner.

Gregoriansk sangmusik

Længe tilbage i de dage, hvor al underholdning var live, var en af ​​de mange grunde til, at mange mennesker strømmet til gudstjeneste, til underholdningsværdien - masser af arbejde og penge blev hældt i opførelsen af ​​middelalderkirker, hvilket resulterede i store, smukke bygninger med fantastiske akustik til korforestillinger. I det 9. århundrede begyndte pave Gregor I at indsamle salmer fra mindre landekirker og valgte det bedste, der skulle bruges i almindelige gudstjenester i hele Europa. Fordi musikinstrumenter ikke var tilladt i kirken på det tidspunkt, blev alle de salmer, der blev indsamlet, udført en cappella, normalt af et helt mandskor. Mens de fleste musikteoretikere bestrider forestillingen om, at pave Gregor I opfandt gregoriansk sang, er det godt forstået, at manden var en ægte musikelsker og dedikerede det meste af sit liv med at opsøge, indsamle og introducere musik til masserne.

Det definerende træk ved gregoriansk sang er, at det er udført monofonisk a cappella. I monofonisk musik udføres en enkelt musikalsk linje af en eller flere stemmer uden kontrasterende harmoni. Jo flere stemmer du sammensætter i en monofoni, desto højere er den resulterende musik, og når du bruger sangere med flere tone, får denne enkelt linje stor dybde og resonans. Kort sagt, det er perfekt egnet til akustikken i et stort, hult interiør i en gotisk katedral.

Gregoriansk sang blev aggressivt forfremmet af kirken, og især af den hellige romerske kejser Charlemagne, der tilsyneladende var en stor fan af stilen, krævede, at præsterne kun skulle udføre gregorianske sang i deres tjenester på dødssmerter. Da paven Stephen V kom til magten i 885 A.D., havde gregoriansk sang spredt sig over England, Tyskland, Skandinavien, Island, Finland og de østkatolske lande i Polen, Moravia og Slovakiet.

En af de vigtigste bivirkninger ved at samle salmer fra disse små landskirker var erkendelsen af, at der ikke eksisterede en standardiseret måde at nedskrive musik på, så alle sangene, for at bevare dem til eftertiden, måtte indspilles ved hjælp af et slags universelt system. Til sidst førte disse eksperimenter med musiktranskription til biskop Guido D’Arezzos opfindelse af solfege, som var det første universelt anvendte (og forståede) musiknotationssystem i Europa efter det romerske imperium.

1100 A.D. — Organum / europæisk polyfoni

Ikke længe efter opfindelsen og hurtig spredning af solfege blev det muligt for komponister - stadig for det meste elitemedlemmer i den romersk-katolske kirke - at begynde at tilføje lidt harmoniske blomstrer til den melodiske linje af gregoriansk sang. For selv om det fuldstændigt var muligt for folk at synge disse harmoniske blomstrer alene, gør de fleste sangere, der følger et stykke noder, ikke det, og når disse sangere er en del af et kirkekor fra det 12. århundrede, gør de det helt sikkert ikke tilføj disse vokal blomstrer på egen hånd. Disse blomstrer kaldes organum eller polyfoni, som bare betyder et stykke musik med mere end en sangdel - specifikt melodi plus harmoni. Nogle af de første eksperimenter med transkriberet organum blev skrevet ned af Guido D’Arezzo selv, hvilket viser, hvor sikker han var i sit nye system med universalmusiktranskription.

Flere typer organum blev anvendt i den tidlige europæiske polyfoni. Der er et parallelt organum, hvor de samme toner synges af alle medlemmer af koret, men udtrykkes i forskellige oktaver. I frit organum kan de øverste (højeste) og de nederste (laveste) stemmer af koret variere, hvordan de holder en note, med korets stærke midterste del, der bærer melodien. I Notre Dame melismatisk organum kan bundstemmen variere fra melodien i både tone og rytme, mens i St. Martial melismatisk organum udtrykkes disse variationer i topstemmen.

Taget i sammenhæng med moderne musik ser disse ikke ud som store spring i kompositionsstil, men det faktum, at disse små blomstrer nu alle kunne skrives på et stykke noder for andre kor til at replikere næsten perfekt, var sandsynligvis et stort incitament for komponister at komme med mere interessant og kompliceret musik. Det er også passende, at omkring samme tid som D’Arezzo præsenterede sit solfege-system, blev farvet glas blevet perfektioneret, og kirken begyndte at installere enorme farvede glasvinduer i sine katedraler, hvilket gjorde et besøg i din nabolagskirke til en visuel såvel som en ægte begivenhed.

1649 — England, diggerne

Diggerne startede som en gruppe af femten protestantiske landmænd og jordsejere, der besluttede at danne deres egen kommune og isolere sig fra resten af ​​England, specifikt fra monarkiets og Englands kirke. Grundlagt af Quaker-aktivisten Gerrard Winstanley, troede Diggerne (eller True Levellers, som de også nogle gange kaldes) på økonomisk lighed og en streng nivellering af den sociale orden. De betragtes som det første europæiske socialistisk / anarkistiske samfund efter det romerske imperium, og selvom de var et relativt lille samfund af gruppeejede gårde spredt over England, varede virkningen af ​​deres ideer og især deres musik århundreder længere end de gjorde.

I 1649 begyndte Diggerne vegetabilske haver i fællesarealer i Surrey og udsendte meddelelser i området, hvor de annoncerede gratis kød, drikke og tøj til alle, der ville tilslutte sig deres kommune og hjælpe med at arbejde på det fælles land. Deres hensigt var at få nok borgere til at tilslutte sig Diggerne og bidrage med deres små pakker med jord til årsagen til, at hele området ville blive privatejet fælles ejendom. Fordi ejendomsret ejede lig med magten, ville dette gøre Diggerne til en magtfuld politisk influencer, så de lokale myndigheder trådte ind og jagede Diggerne ud af Surrey. I de næste par år optrådte mindre Digger-samfund i andre dele af England, men i 1651 var bevægelsen forbi, stort set på grund af regeringsindblanding. Borte, men ikke glemt - mere end 300 år senere, en udlægger fra San Francisco Mime Troupe, der kalder sig Diggers, oprettede lejr i Golden Gate Park og gav ud gratis mad, gratis tøj og prædikerede for forbipasserende om socialisme, anarki og glæder ved at leve en agrarisk livsstil.

En af de overraskende arv fra de kortvarige Diggers er deres protesthymne, komponeret af Winstanley, kaldet "Diggers 'Song." Denne hymne blev båret af Quakers ind i den nye verden, hvor den blev adoptert af Amish, Mennonites og andre agrariske religiøse grupper og senere arbejderbevægelser i USA, Storbritannien og Sovjetunionen. Den engelske folkesinger Leon Rosselson indspillede hymnen under titlen “You Noble Diggers All”, mens popbandet Chumbawamba inkluderede det i deres engelske Rebel Songs 1381-1914 i deres udgivelse i 1988.

1600-tallet: Italien, opera

Selvom opera i dag præsenteres som noget, der for det meste værdsættes af elitemusikforbrugere, da den først optrådte på scenen, var den beregnet til alle. Ligesom de gamle grækere havde deres teater, romerne havde deres colosseum, og Elizabethan England havde sine skuespil, havde italienerne deres opera. Mens de fleste operaoptræder oprindeligt blev afsløret i deres lånerehuse - såsom den første anerkendte italienske opera, Daphne, som først blev vist i 1598 i komponisten Jacopo Corsis gods - efter den første forestilling, kunne du se og høre det samme opera gentagne gange udført i rum overalt i Italien. Dukkepersoner baserede ofte deres handlinger på populære operaer og genindførte live-sceneshowet i miniature til glæde for børn og voksne. Den, der definerer operaens kvalitet, er ikke kostumerne eller sættet eller kvaliteten af ​​sangere - det er, at hele forestillingen synges, og hvis der er væsentlige talende dele i en forestilling, betragtes produktionen som musikteater.

Selvom opera var beregnet til populært forbrug, er det ikke at sige, at operaens opfindere, specifikt italiensk opera, ikke havde utroligt høje forhåbninger til deres kompositioner. Den oprindelige hensigt med italiensk opera var at kombinere kompleks poesi med lige så kompleks musik med det formål at køre en historielinje på tværs, så du ender med en syntese af alle populære underholdningsgenrer. På denne måde var opera virkelig beregnet til at være for alle - fans af god musik, fans af stor litteratur og fans af smukke sæt og kostumer. Der er ingen regler for, hvilken slags musik der er i operaen, og det er grunden til, at dens grundlæggende form har overlevet i hundreder af år, og har udviklet sig til at producere spektakulære rock-operaer som "Jesus Christ Superstar" og komiske operaer som "The Mikado ”(Og dens loungemusik-fyldte filmtilpasning,” The Cool Mikado ”).

1789-1799: Den franske revolution

Mange betragter den franske revolution som fødslen af ​​den moderne protestsang, idet sange blev introduceret, der let kunne læres og tilpasses til alt, hvad der skete. Rigtige navne blev let udskiftet i disse sange, såvel som specifikke begivenheder og stednavne. De lavede den perfekte marcherende sang til mobs af revolutionære.

Den mest berømte af disse sange er måske 1792s "La Carmagnole", der nu betragtes som den officielle sang under den franske revolution. Navnet på den originale komponist er gået tabt, men melodien, ofte ledsaget af vild dans, spredte sig som et ildsted blandt de franske bondeklasser. Under revolutionen blev sangen omgjort til et slagskrig i slaget ved Jemappes i 1792 sammen med en anden populær sang, "La Marseillaise." I samme år stormede tusinder af bønder Paris 'Tuileries-palads og sang "La Carmagnole" (”Gå, Louis, stor krybby / fra templet ind i tårnet”), da de tvang Louis XVI og hans konsorter til at flygte fra paladset.

Siden revolutionen er "La Marseillaise" blevet den franske nationale hymne, ofte sunget i forbindelse med "La Carmagnole."

1913 — Atonal Music og Igor Stravinsky's “The Rite of Spring”

Atonal musik er musik uden et tonalt center, hvilket ganske enkelt betyder, at det ikke er indstillet i nogen nøgle. Arnold Schoenberg, Béla Bartók, Igor Stravinsky og Leon Kirchner er nogle af de bedre kendte komponister af klassisk atonal musik, mens jazzmusikere som Duke Ellington og Eric Dolphy komponerede mange gratis jazzværker uden et tonalt center.

I den tidlige del af det 20. århundrede havde det almindelige klassiske publikum imidlertid næsten ingen kontakt med atonale kompositioner. Selvom Bartók betragtes som en indflydelsesrig atonal komponist nu, var han bedre kendt i sin storhedstid for at søge og gengive østeuropæisk folkemusik, og de fleste af hans atonale kompositioner blev kun hørt af folk, der aktivt opsøgte dem. Schoenberg var en anden atonalkomponist, der betragtes som meget indflydelsesrig nu, men i løbet af den tid, han var professor ved Second Viennese School of Music, blev meget af hans arbejde i atonalitet betragtet som mere en akademisk øvelse end et forsøg på at skabe musik til masserne. Faktisk var det erklærede mål med at komponere atonal musik af Second Viennese School at bekæmpe en opfattet "krise af tonalitet" i mainstreammusikken.

Atonal musik havde bejublet i de mørke undergrundsmusikscener på universiteter og gallerier i adskillige årtier, da Igor Stravinsky udbredte den til en offentlighed, der allerede var skramset af efter indførelsen af ​​første verdenskrig i Paris 'premiere i 1913 af hans mest kendte orkestervirksomhed, ”Riten om foråret.” Berømmet resulterede forestillingen i rapporterede voldelige konfrontationer mellem overklassen, som kom og forventede at høre smuk, tilgængelig musik og den ”bohemske” gruppe, der elskede noget og alt nyt, fordi de hadede status quo så meget.

”Musikken går altid til noten ved siden af ​​den, du forventer,” skrev en af ​​de foruroligede kritikere om natten. Den usædvanlige brug af fagot til melodiens højtliggende åbningssektion blev også gentagne gange kommenteret, ligesom de “aggressive” pulserende rytmer, der tilsyneladende inspirerede manden, der sad direkte bag musik kritiker Carl Van Vechten, til at begynde at dunke i tide på den bemærkede journalistens hoved. Selvom følgende forestillinger af Rite of Spring ikke har resulteret i optøjer, som premieren gjorde, fortsætter publikum med at blive foruroliget, forfærdede og fascinerede af kompositionen, inklusive generationer af børn, der for evigt vil sidestille orkestersammensætningen med fredelige urteagtige dinosaurier, der terroriseres af en maraudende Tyrannosaurus Rex i Disneys Fantasia.

1950-1990: Latinamerika og den iberiske halvø, "Nueva Canción" (den nye sangbevægelse)

Nueva canción var en musikalsk bevægelse, der startede næsten samtidigt i Argentina, Chile og Spanien og spredte sig ud over den iberiske halvø i Europa og overalt i Latinamerika. Dens stærkt politiske tekster, der var indstillet til hvilken som helst musik, der var traditionel i den specifikke region, afspejlede urolighederne fra iberiske folk under diktaturet af Francos Spanien og autoritarismen i Salazars Portugal, mens nueva canción i Latinamerika fokuserede på at trække de sidste rester af europæiske ud kolonialisme.

Både i Europa og i Latinamerika var musikken integreret med revolutionær politik og arbejderbevægelser. Musikerne blev ofte fængslet, "forsvandt", udvist, tortureret og blatant myrdet af forskellige højreorienterede diktaturer for deres musik. Den chilenske sangskriver Víctor Jaras musik overlevede langt sin komponist - under Pinochet-kupet i Chile blev Jara ført sammen med tusinder af andre demonstranter til Chile Stadium, hvor han blev tortureret og skudt. Under Pinochet blev nueva canción-optagelser beslaglagt og ødelagt, og radiostationer blev forbudt at spille musikken. Selv traditionelle andinske instrumenter blev forbudt i et forsøg på at quash nueva canción-musik helt. Denne periode i den chilenske historie er kendt som apagón culture - den kulturelle mørklægning.

Som historien har vist mange gange, ødelægger politisk indblanding og undertrykkelse imidlertid ikke altid en sang eller en idé. Fyrre år efter den første indspilning fandt den chilenske sangskriver Violeta Paras sang, "Gracias a la Vida" ("Thanks to the Life") nyt liv som hymnen til den ukrainske Orange Revolution, klar på den anden side af planeten. I mellemtiden gik den argentinske folkesinger Atahualpa Yupanqui fra at være en politisk eksil fra sit hjemland i 1931 til at blive opfordret af den franske regering til at komponere et stykke til minde om Bicentennialen for den franske revolution i 1989.

1960'erne: U.S. Civil Rights Movement

Der er måske ingen protestsange, der er mere kendte for publikum i U.S.A. end dem fra Civil Rights Movement. Dette skyldes sandsynligvis, at de fleste af de sange, der nu betragtes som den officielle Civil Rights-kanon, blev omdannet til standarder af nogle af de bedste blues-, jazz- og folkemusikartister i det 20. århundrede.

Selvom den foregik med Civil Rights Movement, betragtes Billie Holiday's "Strange Fruit", en sang om lynching, af mange for at være bevægelsens officielle sang. Selvom singlen blev forbudt fra luftbølgerne på tidspunktet for udgivelsen i 1939, var det en så fantastisk, kraftig sang, at den stadig solgte over en million eksemplarer. I 1965 indspillede Nina Simone sin egen magtfulde, skarpe version af sangen, hvilket fik nogle musikkritikere til straks at navngive den ”The Song of the Century.” John Coltranes mørke, humørige jazzstykke, “Alabama,” blev skrevet, efter at han hørte om de fire små piger dræbt i en kirkebombning i Birmingham, Alabama, og er muligvis en af ​​de få genkendelige protestsange uden tekster.

Omvendt var en anden sang, der eksemplificerede Civil Rights Movement, Curtis Mayfields magtfulde glade ”People Get Ready”, som bar den grundlæggende meddelelse om, at gode tider var lige rundt om hjørnet, så du skulle være klar til dem. Også omkring dette tema var Sam Cookes ”A Change Is Gonna Come” angiveligt inspireret af hans egne oplevelser, der forsøgte at optræde på steder, der kun var hvide i hele Amerika. Disse følelser gentages også i teksterne til folkesanger Bob Dylans modkultursangsang, "The Times They Are A-Changin '." Men måske sagde ingen sang det bedre, højere eller dristigere end den fremsatte socialaktivist og selvudnævnte leder af den afroamerikanske bevægelse, James Brown. Brown skrev ”Say It Loud, I’m Black and I’m Stolt” under en rejse til Vietnam for at underholde tropperne - sangen er blevet hymnen for Civil Rights Movement gennem dens mange permutationer til i dag.

1980'erne: Estlands sangrevolution

En af de seneste års mest fantastiske revolutioner var måske den estiske sangrevolution, som opnåede sine mål om at blive uafhængig af Sovjetunionen med stort set ikke voldelige, fredelige midler.

Under Ruslands - senere Sovjetunionens - besættelse blev esterne i århundreder forbudt at synge deres traditionelle sange eller endda tale deres sprog. I stedet for at lade deres indfødte kultur dø under denne besættelse, holdt folk i Estland deres sange og litteratur og sprog levende i hemmelighed, indtil 1869, da forleggeren Johann Voldemar Jannsen organiserede den første sangfeiring som en del af en underjordisk estisk national opvågningsbevægelse . Over 800 sangere deltog i den første festival, og alle sangene blev sunget på estisk.

Russiske myndigheder var ikke meget opmærksomme på festivalen, muligvis fordi for mange mennesker deltog i den fredelige festival for at de kunne reagere på nogen måde, der ikke ville skabe rigtig dårlig reklame for dem. En anden og tredje festival blev arrangeret inden for få år, og ved den fjerde festival i 1891 deltog kvinder også i korene. Et par år efter dette havde hundreder af børn også sluttet sig til, og på det tidspunkt var der ikke noget, man kunne gøre for at forhindre, at Estlands befolkning sang.

Koret fortsatte med at vokse støt gennem første verdenskrig, 2. verdenskrig, og overlevede flere hårde og skræmmende propagandakampagner rettet mod sangere og estisk nationalisme generelt af Stalin. På trods af trusler om anholdelse og fængsling under det nye U.S.S.R., dukker 20.000 til 30.000 sangere ad gangen op for at synge estiske folkesangere trodsigt hvert år, mens resten af ​​landet strømmer ind på messeområdet for at se og synge med. At hæve det forbudte estiske flag over dem, mens de sang, og forestillingerne fortsatte med at være fredelige og ikke voldelige, selv i de værste tider.

I 1988 bidrog musikere i Tartu Pop Music Festival med originalt materiale såvel som at synge de forbudte traditionelle sange, hvilket frigav en følelse af national identitet, der så titusinder af publikumsmede forbinde hænder og synge sammen. Efterfølgende festivaler så politikere fra hele verden møde op for at støtte den estiske sag og bevidne de syngende festivaler, især korene, der var vokset til at omfatte hele 10% af befolkningen i Estland.

I 1991, efter at den estiske kongres og Supreme Soviet formelt havde afvist sovjetlovgivningen og erklæret Estland som en uafhængig stat, krydsede sovjetiske tanks ind i republikken i et forsøg på at undertrykke den estiske nationalismebevægelse. De sovjetiske stridsvogne målrettede specifikt de radiotårne, der udsendte estisk musik for at styrke befolkningen, og hundreder af estlendere hævnede ved at danne et ikke-voldeligt menneskeligt skjold omkring radiostationerne, som tanksene ikke kunne trænge igennem uden at trække resten af ​​verdens militære ire . Samme år anerkendte den nye russiske ledelse formelt Estlands og de andre baltiske staters uafhængighed.

2010-2012: Arabisk forår

På trods af det faktum, at sang og dans i mange arabiske stater betragtes som skammelig, har populær musik, især hip-hop og rap, trives som en underjordisk musikalsk bevægelse. I 1990'erne startede arabiske samfund uden for Mellemøsten, især i Tyskland og Frankrig, endda pladeselskaber med speciale i tyrkisk, palæstinensisk og tunesisk rapmusik, med artister, der ikke modtog radiospil i deres hjemlande og næppe var kendt uden for af deres umiddelbare fan base. Amerikansk hip-hop- og rap-musik blev også smuglet til arabiske stater, hvor fans af smuglensgenren lavede flere eksemplarer for at videregive til venner.

Meget af dette ændrede sig med det arabiske forår, der startede, da tunesiske demonstranter styrtede præsident Zine El Abidine Ben Ali. Næsten natten over sprang lignende protester op i Egypten, Yemen og Marokko, hvoraf de fleste var organiseret af unge mænd og kvinder, der mente, at de ikke havde en stemme i en regering, der består af aldrende teokrater. Et af de mange spørgsmål, der gentagne gange blev bragt op, var sensur af kunst, musik og ungdomskultur generelt, og som et resultat, måske det mest varige indtryk, som omverdenen havde af den arabiske forår, var de hundreder af musikalske koncerter, der brød spontant ud overalt i Mellemøsten. Saudiarabiske rappere som Dark2Men optrådte offentligt for første gang uden frygt for øjeblikkelig fængsel, ligesom Tunesiens El-general, Marokkos El Haqed og Palæstinas DAM.

Mens mange af målene for den arabiske forår stadig ikke er kommet i live, er det, der er sket, at de arabiske staters protestmusik med succes har nået ørerne for både den lokale befolkning og resten af ​​verden. Mange arabiske bands har nu YouTube-kanaler, der regelmæssigt opdateres med nye sange og videoer, hvilket giver dem sikkerheden ved at have et publikum, der ved, at de findes. Den arabiske forårs hiphopmusik er blevet modstandens stemme, der tager fat på fattigdom, vold, stofmisbrug og social ulighed.