1. Art CenterMusic10 Musikalske bevægelser, der ændrede historien

Af Michael Pilhofer

Problemer med at sammensætte en top ti-liste med revolutionerende musik eller musikalske bevægelser er, at så meget af det, som den moderne vestlige civilisation kender til revolutionær musik, er meget begrænset. Historien er fuld af mennesker som den spanske præst Diego de Landa, der dedikerede sit liv til at ødelægge maya-litteratur og -historie, eller kejser Jovian, der ødelagde alle ikke-kristne tekster og musikalske scoringer i Biblioteket i Antiochia eller Genghis Khan, der berømt fyrede og ødelagde bibliotekerne i Iran og Irak.

Følgende kan kun betragtes som en delvis liste over nogle af de revolutionerende teknikker, der ændrede musik generelt såvel som nogle af den revolutionerende musik, der ændrede verden.

800 A.D. England, gregoriansk sang

Gregoriansk sang kan muligvis ikke virke som en revolutionerende form for musik, idet dens historie og brug næsten uløseligt er knyttet til den romersk-katolske kirke - den er endda opkaldt efter pave Gregor I, der får kredit for at popularisere formen. Da musik imidlertid var en så vigtig del af kirkegudstjenesterne, og så meget af den vestlige civilisation var påvirket af, hvad der var og ikke var tilladt af den tidlige kirke, giver det mening at fremkomsten af ​​det er et udgangspunkt for mange musiknyheder og revolutioner.

Gregoriansk sangmusik

Længe tilbage i de dage, hvor al underholdning var live, var en af ​​de mange grunde til, at mange mennesker strømmet til gudstjeneste, til underholdningsværdien - masser af arbejde og penge blev hældt i opførelsen af ​​middelalderkirker, hvilket resulterede i store, smukke bygninger med fantastiske akustik til korforestillinger. I det 9. århundrede begyndte pave Gregor I at indsamle salmer fra mindre landekirker og valgte det bedste, der skulle bruges i almindelige gudstjenester i hele Europa. Fordi musikinstrumenter ikke var tilladt i kirken på det tidspunkt, blev alle de salmer, der blev indsamlet, udført en cappella, normalt af et helt mandskor. Mens de fleste musikteoretikere bestrider forestillingen om, at pave Gregor I opfandt gregoriansk sang, er det godt forstået, at manden var en ægte musikelsker og dedikerede det meste af sit liv med at opsøge, indsamle og introducere musik til masserne.

Det definerende træk ved gregoriansk sang er, at det er udført monofonisk a cappella. I monofonisk musik udføres en enkelt musikalsk linje af en eller flere stemmer uden kontrasterende harmoni. Jo flere stemmer du sammensætter i en monofoni, desto højere er den resulterende musik, og når du bruger sangere med flere tone, får denne enkelt linje stor dybde og resonans. Kort sagt, det er perfekt egnet til akustikken i et stort, hult interiør i en gotisk katedral.

Gregoriansk sang blev aggressivt forfremmet af kirken, og især af den hellige romerske kejser Charlemagne, der tilsyneladende var en stor fan af stilen, krævede, at præsterne kun skulle udføre gregorianske sang i deres tjenester på dødssmerter. Da paven Stephen V kom til magten i 885 A.D., havde gregoriansk sang spredt sig over England, Tyskland, Skandinavien, Island, Finland og de østkatolske lande i Polen, Moravia og Slovakiet.

En af de vigtigste bivirkninger ved at samle salmer fra disse små landskirker var erkendelsen af, at der ikke eksisterede en standardiseret måde at nedskrive musik på, så alle sangene, for at bevare dem til eftertiden, måtte indspilles ved hjælp af et slags universelt system. Til sidst førte disse eksperimenter med musiktranskription til biskop Guido D’Arezzos opfindelse af solfege, som var det første universelt anvendte (og forståede) musiknotationssystem i Europa efter det romerske imperium.

1100 A.D. — Organum / europæisk polyfoni

Ikke længe efter opfindelsen og hurtig spredning af solfege blev det muligt for komponister - stadig for det meste elitemedlemmer i den romersk-katolske kirke - at begynde at tilføje lidt harmoniske blomstrer til den melodiske linje af gregoriansk sang. For selv om det fuldstændigt var muligt for folk at synge disse harmoniske blomstrer alene, gør de fleste sangere, der følger et stykke noder, ikke det, og når disse sangere er en del af et kirkekor fra det 12. århundrede, gør de det helt sikkert ikke tilføj disse vokal blomstrer på egen hånd. Disse blomstrer kaldes organum eller polyfoni, som bare betyder et stykke musik med mere end en sangdel - specifikt melodi plus harmoni. Nogle af de første eksperimenter med transkriberet organum blev skrevet ned af Guido D’Arezzo selv, hvilket viser, hvor sikker han var i sit nye system med universalmusiktranskription.

Flere typer organum blev anvendt i den tidlige europæiske polyfoni. Der er et parallelt organum, hvor de samme toner synges af alle medlemmer af koret, men udtrykkes i forskellige oktaver. I frit organum kan de øverste (højeste) og de nederste (laveste) stemmer af koret variere, hvordan de holder en note, med korets stærke midterste del, der bærer melodien. I Notre Dame melismatisk organum kan bundstemmen variere fra melodien i både tone og rytme, mens i St. Martial melismatisk organum udtrykkes disse variationer i topstemmen.

Taget i sammenhæng med moderne musik ser disse ikke ud som store spring i kompositionsstil, men det faktum, at disse små blomstrer nu alle kunne skrives på et stykke noder for andre kor til at replikere næsten perfekt, var sandsynligvis et stort incitament for komponister at komme med mere interessant og kompliceret musik. Det er også passende, at omkring samme tid som D’Arezzo præsenterede sit solfege-system, blev farvet glas blevet perfektioneret, og kirken begyndte at installere enorme farvede glasvinduer i sine katedraler, hvilket gjorde et besøg i din nabolagskirke til en visuel såvel som en ægte begivenhed.

1649 — England, diggerne

Diggerne startede som en gruppe af femten protestantiske landmænd og jordsejere, der besluttede at danne deres egen kommune og isolere sig fra resten af ​​England, specifikt fra monarkiets og Englands kirke. Grundlagt af Quaker-aktivisten Gerrard Winstanley, troede Diggerne (eller True Levellers, som de også nogle gange kaldes) på økonomisk lighed og en streng nivellering af den sociale orden. De betragtes som det første europæiske socialistisk / anarkistiske samfund efter det romerske imperium, og selvom de var et relativt lille samfund af gruppeejede gårde spredt over England, varede virkningen af ​​deres ideer og især deres musik århundreder længere end de gjorde.

I 1649 begyndte Diggerne vegetabilske haver i fællesarealer i Surrey og udsendte meddelelser i området, hvor de annoncerede gratis kød, drikke og tøj til alle, der ville tilslutte sig deres kommune og hjælpe med at arbejde på det fælles land. Deres hensigt var at få nok borgere til at tilslutte sig Diggerne og bidrage med deres små pakker med jord til årsagen til, at hele området ville blive privatejet fælles ejendom. Fordi ejendomsret ejede lig med magten, ville dette gøre Diggerne til en magtfuld politisk influencer, så de lokale myndigheder trådte ind og jagede Diggerne ud af Surrey. I de næste par år optrådte mindre Digger-samfund i andre dele af England, men i 1651 var bevægelsen forbi, stort set på grund af regeringsindblanding. Borte, men ikke glemt - mere end 300 år senere, en udlægger fra San Francisco Mime Troupe, der kalder sig Diggers, oprettede lejr i Golden Gate Park og gav ud gratis mad, gratis tøj og prædikerede for forbipasserende om socialisme, anarki og glæder ved at leve en agrarisk livsstil.

En af de overraskende arv fra de kortvarige Diggers er deres protesthymne, komponeret af Winstanley, kaldet "Diggers 'Song." Denne hymne blev båret af Quakers ind i den nye verden, hvor den blev adoptert af Amish, Mennonites og andre agrariske religiøse grupper og senere arbejderbevægelser i USA, Storbritannien og Sovjetunionen. Den engelske folkesinger Leon Rosselson indspillede hymnen under titlen “You Noble Diggers All”, mens popbandet Chumbawamba inkluderede det i deres engelske Rebel Songs 1381-1914 i deres udgivelse i 1988.

1600-tallet: Italien, opera

Selvom opera i dag præsenteres som noget, der for det meste værdsættes af elitemusikforbrugere, da den først optrådte på scenen, var den beregnet til alle. Ligesom de gamle grækere havde deres teater, romerne havde deres colosseum, og Elizabethan England havde sine skuespil, havde italienerne deres opera. Mens de fleste operaoptræder oprindeligt blev afsløret i deres lånerehuse - såsom den første anerkendte italienske opera, Daphne, som først blev vist i 1598 i komponisten Jacopo Corsis gods - efter den første forestilling, kunne du se og høre det samme opera gentagne gange udført i rum overalt i Italien. Dukkepersoner baserede ofte deres handlinger på populære operaer og genindførte live-sceneshowet i miniature til glæde for børn og voksne. Den, der definerer operaens kvalitet, er ikke kostumerne eller sættet eller kvaliteten af ​​sangere - det er, at hele forestillingen synges, og hvis der er væsentlige talende dele i en forestilling, betragtes produktionen som musikteater.

Selvom opera var beregnet til populært forbrug, er det ikke at sige, at operaens opfindere, specifikt italiensk opera, ikke havde utroligt høje forhåbninger til deres kompositioner. Den oprindelige hensigt med italiensk opera var at kombinere kompleks poesi med lige så kompleks musik med det formål at køre en historielinje på tværs, så du ender med en syntese af alle populære underholdningsgenrer. På denne måde var opera virkelig beregnet til at være for alle - fans af god musik, fans af stor litteratur og fans af smukke sæt og kostumer. Der er ingen regler for, hvilken slags musik der er i operaen, og det er grunden til, at dens grundlæggende form har overlevet i hundreder af år, og har udviklet sig til at producere spektakulære rock-operaer som "Jesus Christ Superstar" og komiske operaer som "The Mikado ”(Og dens loungemusik-fyldte filmtilpasning,” The Cool Mikado ”).

1789-1799: Den franske revolution

Mange betragter den franske revolution som fødslen af ​​den moderne protestsang, idet sange blev introduceret, der let kunne læres og tilpasses til alt, hvad der skete. Rigtige navne blev let udskiftet i disse sange, såvel som specifikke begivenheder og stednavne. De lavede den perfekte marcherende sang til mobs af revolutionære.

Den mest berømte af disse sange er måske 1792s "La Carmagnole", der nu betragtes som den officielle sang under den franske revolution. Navnet på den originale komponist er gået tabt, men melodien, ofte ledsaget af vild dans, spredte sig som et ildsted blandt de franske bondeklasser. Under revolutionen blev sangen omgjort til et slagskrig i slaget ved Jemappes i 1792 sammen med en anden populær sang, "La Marseillaise." I samme år stormede tusinder af bønder Paris 'Tuileries-palads og sang "La Carmagnole" (”Gå, Louis, stor krybby / fra templet ind i tårnet”), da de tvang Louis XVI og hans konsorter til at flygte fra paladset.

Siden revolutionen er "La Marseillaise" blevet den franske nationale hymne, ofte sunget i forbindelse med "La Carmagnole."

1913 — Atonal Music og Igor Stravinsky's “The Rite of Spring”

Atonal musik er musik uden et tonalt center, hvilket ganske enkelt betyder, at det ikke er indstillet i nogen nøgle. Arnold Schoenberg, Béla Bartók, Igor Stravinsky og Leon Kirchner er nogle af de bedre kendte komponister af klassisk atonal musik, mens jazzmusikere som Duke Ellington og Eric Dolphy komponerede mange gratis jazzværker uden et tonalt center.

I den tidlige del af det 20. århundrede havde det almindelige klassiske publikum imidlertid næsten ingen kontakt med atonale kompositioner. Selvom Bartók betragtes som en indflydelsesrig atonal komponist nu, var han bedre kendt i sin storhedstid for at søge og gengive østeuropæisk folkemusik, og de fleste af hans atonale kompositioner blev kun hørt af folk, der aktivt opsøgte dem. Schoenberg var en anden atonalkomponist, der betragtes som meget indflydelsesrig nu, men i løbet af den tid, han var professor ved Second Viennese School of Music, blev meget af hans arbejde i atonalitet betragtet som mere en akademisk øvelse end et forsøg på at skabe musik til masserne. Faktisk var det erklærede mål med at komponere atonal musik af Second Viennese School at bekæmpe en opfattet "krise af tonalitet" i mainstreammusikken.

Atonal musik havde bejublet i de mørke undergrundsmusikscener på universiteter og gallerier i adskillige årtier, da Igor Stravinsky udbredte den til en offentlighed, der allerede var skramset af efter indførelsen af ​​første verdenskrig i Paris 'premiere i 1913 af hans mest kendte orkestervirksomhed, ”Riten om foråret.” Berømmet resulterede forestillingen i rapporterede voldelige konfrontationer mellem overklassen, som kom og forventede at høre smuk, tilgængelig musik og den ”bohemske” gruppe, der elskede noget og alt nyt, fordi de hadede status quo så meget.

”Musikken går altid til noten ved siden af ​​den, du forventer,” skrev en af ​​de foruroligede kritikere om natten. Den usædvanlige brug af fagot til melodiens højtliggende åbningssektion blev også gentagne gange kommenteret, ligesom de “aggressive” pulserende rytmer, der tilsyneladende inspirerede manden, der sad direkte bag musik kritiker Carl Van Vechten, til at begynde at dunke i tide på den bemærkede journalistens hoved. Selvom følgende forestillinger af Rite of Spring ikke har resulteret i optøjer, som premieren gjorde, fortsætter publikum med at blive foruroliget, forfærdede og fascinerede af kompositionen, inklusive generationer af børn, der for evigt vil sidestille orkestersammensætningen med fredelige urteagtige dinosaurier, der terroriseres af en maraudende Tyrannosaurus Rex i Disneys Fantasia.

1950-1990: Latinamerika og den iberiske halvø, "Nueva Canción" (den nye sangbevægelse)

Nueva canción var en musikalsk bevægelse, der startede næsten samtidigt i Argentina, Chile og Spanien og spredte sig ud over den iberiske halvø i Europa og overalt i Latinamerika. Dens stærkt politiske tekster, der var indstillet til hvilken som helst musik, der var traditionel i den specifikke region, afspejlede urolighederne fra iberiske folk under diktaturet af Francos Spanien og autoritarismen i Salazars Portugal, mens nueva canción i Latinamerika fokuserede på at trække de sidste rester af europæiske ud kolonialisme.

Både i Europa og i Latinamerika var musikken integreret med revolutionær politik og arbejderbevægelser. Musikerne blev ofte fængslet, "forsvandt", udvist, tortureret og blatant myrdet af forskellige højreorienterede diktaturer for deres musik. Den chilenske sangskriver Víctor Jaras musik overlevede langt sin komponist - under Pinochet-kupet i Chile blev Jara ført sammen med tusinder af andre demonstranter til Chile Stadium, hvor han blev tortureret og skudt. Under Pinochet blev nueva canción-optagelser beslaglagt og ødelagt, og radiostationer blev forbudt at spille musikken. Selv traditionelle andinske instrumenter blev forbudt i et forsøg på at quash nueva canción-musik helt. Denne periode i den chilenske historie er kendt som apagón culture - den kulturelle mørklægning.

Som historien har vist mange gange, ødelægger politisk indblanding og undertrykkelse imidlertid ikke altid en sang eller en idé. Fyrre år efter den første indspilning fandt den chilenske sangskriver Violeta Paras sang, "Gracias a la Vida" ("Thanks to the Life") nyt liv som hymnen til den ukrainske Orange Revolution, klar på den anden side af planeten. I mellemtiden gik den argentinske folkesinger Atahualpa Yupanqui fra at være en politisk eksil fra sit hjemland i 1931 til at blive opfordret af den franske regering til at komponere et stykke til minde om Bicentennialen for den franske revolution i 1989.

1960'erne: U.S. Civil Rights Movement

Der er måske ingen protestsange, der er mere kendte for publikum i U.S.A. end dem fra Civil Rights Movement. Dette skyldes sandsynligvis, at de fleste af de sange, der nu betragtes som den officielle Civil Rights-kanon, blev omdannet til standarder af nogle af de bedste blues-, jazz- og folkemusikartister i det 20. århundrede.

Selvom den foregik med Civil Rights Movement, betragtes Billie Holiday's "Strange Fruit", en sang om lynching, af mange for at være bevægelsens officielle sang. Selvom singlen blev forbudt fra luftbølgerne på tidspunktet for udgivelsen i 1939, var det en så fantastisk, kraftig sang, at den stadig solgte over en million eksemplarer. I 1965 indspillede Nina Simone sin egen magtfulde, skarpe version af sangen, hvilket fik nogle musikkritikere til straks at navngive den ”The Song of the Century.” John Coltranes mørke, humørige jazzstykke, “Alabama,” blev skrevet, efter at han hørte om de fire små piger dræbt i en kirkebombning i Birmingham, Alabama, og er muligvis en af ​​de få genkendelige protestsange uden tekster.

Omvendt var en anden sang, der eksemplificerede Civil Rights Movement, Curtis Mayfields magtfulde glade ”People Get Ready”, som bar den grundlæggende meddelelse om, at gode tider var lige rundt om hjørnet, så du skulle være klar til dem. Også omkring dette tema var Sam Cookes ”A Change Is Gonna Come” angiveligt inspireret af hans egne oplevelser, der forsøgte at optræde på steder, der kun var hvide i hele Amerika. Disse følelser gentages også i teksterne til folkesanger Bob Dylans modkultursangsang, "The Times They Are A-Changin '." Men måske sagde ingen sang det bedre, højere eller dristigere end den fremsatte socialaktivist og selvudnævnte leder af den afroamerikanske bevægelse, James Brown. Brown skrev ”Say It Loud, I’m Black and I’m Stolt” under en rejse til Vietnam for at underholde tropperne - sangen er blevet hymnen for Civil Rights Movement gennem dens mange permutationer til i dag.

1980'erne: Estlands sangrevolution

En af de seneste års mest fantastiske revolutioner var måske den estiske sangrevolution, som opnåede sine mål om at blive uafhængig af Sovjetunionen med stort set ikke voldelige, fredelige midler.

Under Ruslands - senere Sovjetunionens - besættelse blev esterne i århundreder forbudt at synge deres traditionelle sange eller endda tale deres sprog. I stedet for at lade deres indfødte kultur dø under denne besættelse, holdt folk i Estland deres sange og litteratur og sprog levende i hemmelighed, indtil 1869, da forleggeren Johann Voldemar Jannsen organiserede den første sangfeiring som en del af en underjordisk estisk national opvågningsbevægelse . Over 800 sangere deltog i den første festival, og alle sangene blev sunget på estisk.

Russiske myndigheder var ikke meget opmærksomme på festivalen, muligvis fordi for mange mennesker deltog i den fredelige festival for at de kunne reagere på nogen måde, der ikke ville skabe rigtig dårlig reklame for dem. En anden og tredje festival blev arrangeret inden for få år, og ved den fjerde festival i 1891 deltog kvinder også i korene. Et par år efter dette havde hundreder af børn også sluttet sig til, og på det tidspunkt var der ikke noget, man kunne gøre for at forhindre, at Estlands befolkning sang.

Koret fortsatte med at vokse støt gennem første verdenskrig, 2. verdenskrig, og overlevede flere hårde og skræmmende propagandakampagner rettet mod sangere og estisk nationalisme generelt af Stalin. På trods af trusler om anholdelse og fængsling under det nye U.S.S.R., dukker 20.000 til 30.000 sangere ad gangen op for at synge estiske folkesangere trodsigt hvert år, mens resten af ​​landet strømmer ind på messeområdet for at se og synge med. At hæve det forbudte estiske flag over dem, mens de sang, og forestillingerne fortsatte med at være fredelige og ikke voldelige, selv i de værste tider.

I 1988 bidrog musikere i Tartu Pop Music Festival med originalt materiale såvel som at synge de forbudte traditionelle sange, hvilket frigav en følelse af national identitet, der så titusinder af publikumsmede forbinde hænder og synge sammen. Efterfølgende festivaler så politikere fra hele verden møde op for at støtte den estiske sag og bevidne de syngende festivaler, især korene, der var vokset til at omfatte hele 10% af befolkningen i Estland.

I 1991, efter at den estiske kongres og Supreme Soviet formelt havde afvist sovjetlovgivningen og erklæret Estland som en uafhængig stat, krydsede sovjetiske tanks ind i republikken i et forsøg på at undertrykke den estiske nationalismebevægelse. De sovjetiske stridsvogne målrettede specifikt de radiotårne, der udsendte estisk musik for at styrke befolkningen, og hundreder af estlendere hævnede ved at danne et ikke-voldeligt menneskeligt skjold omkring radiostationerne, som tanksene ikke kunne trænge igennem uden at trække resten af ​​verdens militære ire . Samme år anerkendte den nye russiske ledelse formelt Estlands og de andre baltiske staters uafhængighed.

2010-2012: Arabisk forår

På trods af det faktum, at sang og dans i mange arabiske stater betragtes som skammelig, har populær musik, især hip-hop og rap, trives som en underjordisk musikalsk bevægelse. I 1990'erne startede arabiske samfund uden for Mellemøsten, især i Tyskland og Frankrig, endda pladeselskaber med speciale i tyrkisk, palæstinensisk og tunesisk rapmusik, med artister, der ikke modtog radiospil i deres hjemlande og næppe var kendt uden for af deres umiddelbare fan base. Amerikansk hip-hop- og rap-musik blev også smuglet til arabiske stater, hvor fans af smuglensgenren lavede flere eksemplarer for at videregive til venner.

Meget af dette ændrede sig med det arabiske forår, der startede, da tunesiske demonstranter styrtede præsident Zine El Abidine Ben Ali. Næsten natten over sprang lignende protester op i Egypten, Yemen og Marokko, hvoraf de fleste var organiseret af unge mænd og kvinder, der mente, at de ikke havde en stemme i en regering, der består af aldrende teokrater. Et af de mange spørgsmål, der gentagne gange blev bragt op, var sensur af kunst, musik og ungdomskultur generelt, og som et resultat, måske det mest varige indtryk, som omverdenen havde af den arabiske forår, var de hundreder af musikalske koncerter, der brød spontant ud overalt i Mellemøsten. Saudiarabiske rappere som Dark2Men optrådte offentligt for første gang uden frygt for øjeblikkelig fængsel, ligesom Tunesiens El-general, Marokkos El Haqed og Palæstinas DAM.

Mens mange af målene for den arabiske forår stadig ikke er kommet i live, er det, der er sket, at de arabiske staters protestmusik med succes har nået ørerne for både den lokale befolkning og resten af ​​verden. Mange arabiske bands har nu YouTube-kanaler, der regelmæssigt opdateres med nye sange og videoer, hvilket giver dem sikkerheden ved at have et publikum, der ved, at de findes. Den arabiske forårs hiphopmusik er blevet modstandens stemme, der tager fat på fattigdom, vold, stofmisbrug og social ulighed.